Andy Kirk - Mary's Idea

Ok, imaginemos: estamos num night club em Kansas City. Também pode ser em New York. À mesa, uma garrafa de bourbon fabricado em Devil Smile Mountain, lugar ermo no qual a polícia nunca conseguiu chegar. A garçonete, gentil, acende o meu cigarro e, com seu sorriso, provoca alguns pensamentos libidinosos que logo são vaporizados pelos primeiros acordes da orquestra de Andy Kirk. Ele é um daqueles caras meio apagados mas que sabe se cercar de gente da melhor estirpe. Ao seu lado já desfilaram, só para citar alguns poucos, Don Byas, Howard McGhee, Fats Navarro e Charlie Parker.

Voltemos à música e ao sonho. O tenor de Dick Wilson invade o ambiente sustentado por um naipe sutil mas vigoroso. A orquestra reduz o ímpeto inicial e abre espaço para a sua alma aparecer. A estrela aparece no céu por entre nuvens: Mary Lou Williams dedilha seu piano e justifica o título da canção The lady who swings the band, interpretada por Pha Terrell, o crooner.

Sim, é ela, Mary Lou Williams, quem se encarrega dos arranjos e da maioria das composições interpretadas pela orquestra. É ela que, em Twinklin', balança um delicioso stride piano que faz os casais que giravam na pista de dança pararem, ouvirem, aplaudirem e pedirem mais. E ela não nega fogo. O night club swings all night long.

A orquestra pode ser de Andy, mas a cabeça, o feeling e o swing são de Mary. Enfim, como anuncia o título do cd que vos indico: é uma Mary's Idea. Nele, vocês encontrarão uma seleção deliciosa de gravações realizadas no período novaiorquino da banda (1937-41). Indispensável para quem aprecia o jazz e sua história. Deixarei alguma coisa ali no podcast Quintal do Jazz.

Kent & Bley at Vitória

O povo aplaudiu e pediu bis à cantora magrelinha e suruca chamada Stacey Kent. Afinada, simpática, bem articulada e visivelmente emocionada, ela iniciou sua apresentação com So many stars. O fato de ter cantado, na seqüência, temas de Vinícius e Jobim tornou mais fácil o contato com o público (graças ao bom deus ela não inventou de cantar em português - optou pelo francês e o inglês).

A banda esteve bem comportada - demais, para o meu gosto. Tudo bem arranjadinho, tudo no lugarzinho, tudo arrumado para a cantora passear. Jim Tomlinsom, o marido saxofonista e arranjador, não parece ser o tipo de músico que gosta de se arriscar. Um show honesto, mas com pouco jazz (os arranjos tinham conotação jazzística, mas ficava apenas nisso: num certo acento que o povaréu reconhece como jazz - lembra aqueles discos do Rod Stewart). Para Pedro Trêpa, meu amigo lusitano, a apresentação inaugurou a categoria "jazz mala". Maldade dele. Eu prefiro incluí-la naquele tipo de som que a gente pode deixar rolar num jantarzinho com a namorada - para não assustar.

O que eu aguardava não me decepcionou. Carla Bley e seus Lost Chords (a maga sabe como ninguém encontrar tais acordes). Minha bruxa predileta mandou a tal peça em seis movimentos que emocionou o irmão da Déa. Aí, sim, eu vi e ouvi os músicos se arriscarem no terreno movediço que o jazz nos revela. Carla compôs temas que abrem as portas para a inventividade dos seus parceiros de palco. E eles não negaram fogo.

O lirismo das composições da Carla foi muito bem interpretado pela banda, iniciando com um belo solo do maridão Steve Swallow que, palheta na mão, valorizou a envolvente melodia com seu baixo elétrico. O saxofonista Andy Sheppard e o trompetista Michael Rodriguez passearam pelas fronteiras da música como se estivessem em seus jardins mais conhecidos. O baterista Billy Drummond manteve um interessante contraponto ao lirismo de Carla com sua pegada nervosa e frenética - o seu modo de tocar ressaltou ainda mais a leveza melódica dos temas interpretados. Uma avalanche sonora.

Carla Bley e Stacey Kent

Já falei disso em outro lugar, creio que no Jazzseen:

Meu contato com Carla Bley se deu através do realbook (bíblia pros jazzistas de plantão). Eu vi uma partitura cujo título chamou minha atenção: Sing me softly of the blues. Nunca toquei, mas tocarei - um dia ou uma noite dessas. Procurei e achei o disco Dinner music, do qual muito gostei por sua leveza e ligeireza para a digestão. Desde então passei a não dispensar os discos da minha maluquinha beleza. Amanhã, para minha alegria, poderei ouvi-la ao vivo. Júlio, irmão da minha amiga Déa, assistiu (no Rio) e fez o seguinte comentário:

"a veterana (72 aninhos) Carla Bley! Maravilhosa! Tocou uma longa peça composta e arranjada por ela. A banda é de arrasar, chamando especial atenção para o maridão (essas mulheres são muito bem casadas, hein?), o grande baixista Steve Swallow, que deve ter uns quase 80 anos, com um corpinho de 90! Difícil acreditar na combinação a imagem do velhinho em estado de quase decrepitude, com o movimento de suas mãos e o som que saia do baixo! Puta merda!"

Depois disso, só conferindo.

A outra que se apresentará, Stacey Kent, eu só conheci por interferência do colega Osvaldo, do mpbjazz (creio que tem alguma coisa para download). Ela é mais uma que aprecia a mpb Não me pareceu grande coisa. O seu maridão Jim Tomlinson, saxofonista, manda um som com pegada cool, à moda de Getz. De qualquer modo, ao vivo sempre é melhor. Júlio fez o seguinte comentário:

"Stacey Kent. Muito boa mesmo. Show mais bem comportado, intimista. Mas com oportunidade de mostrar a qualidade de sua interpretação e a de seu marido, Jim Tomlinson, excelente saxofonista (tenor e soprano) e arranjador."

Deixarei alguma coisa de tira-gosto para os navegantes no podcast contemporâneo.

Chryso Rocha

A música capixaba tem uma série de bons instrumentistas cujos trabalhos, na maioria das vezes, não chegam ao conhecimento do público. A mídia comercial, bem frisou Salsa no post anterior, não tem intuito de divulgar essas músicas recheadas de "coisas estranhas" que supostamente não estariam ao alcance do povaréu. Bobagem das grossas, sabemos.

Pois bem, tive o prazer de receber uma cópia (através do Salsa) do último disco do Chryso Rocha, guitarrista de linguagem bem contemporânea, também conhecido por suas performances nos grupos Nota Jazz e Mistura Fina. O cd, gravado em família, traz 9 composições do guitarrista e 1 do seu filho Rafael. Os temas têm estrutura agradável e de fácil digestão, trabalhados com boa coesão. Eu, pé no fusion que tenho, gostei de Estrada para Meaípe, tema de abertura. Outra que me agradou bastante, com sonoridade a la Jeff Beck, é a terceira do cd: Ói o tombo. Depois do porto é uma baladinha bem agradável, com guitarra com sonoridade mais smooth, que você pode dedicar à sua amada. O overdrive retorna com força em Voltando de lá. Podemos dizer que, nesse cd, Chryso Rocha presta uma homenagem a alguns nomes da moderna guitarra fusion mundial. Nele encontramos um pouco de Benson, Beck, Stern, Carlton. Uma boa homenagem às suas influências.

Sobre o que rolou na gravação, diz o guitarrista, no encarte, que "sempre há algo de novo naquele som". Explica: a música nunca se repete, a cada performance surge um acento aqui e acolá que pode imprimir um feeling diferente à interpretação. Assim sendo, as gravações têm que ser com todos juntos, à vera, num take que capturará o momento único, com seus erros e acertos.

Esse modus operandi é interessante, mas exige dos músicos segurança suficiente para se arriscarem, para ousarem alguma alteração que o momento da interpretação pode propiciar. Pareceu-me que, nesse sentido, os músicos da cozinha não aproveitaram a liberdade que tal idéia sugere - o baixo manteve o básico e bateria ídem. Apesar da boa perspectiva defendida por Chryso, o som soou comportado, soou como se os músicos estivessem detidos no que foi convencionado. Isso não significa que o disco seja ruim. Não é isso. Faltou a vivacidade que o "take one" permite. Se eu não tivesse lido o encarte não faria esse tipo de observação.

Lembro-me de uma cena do filme Straight, no chaser, no qual Monk, após uma sessão num estúdio, é interpelado pelo técnico de som que pensava estar presenciando um ensaio: "então, vamos gravar agora?", e Monk, dando aquelas voltinhas que lhes são peculiares, diz, irritado, que já deveria ter gravado pois ele está sempre ensaiando.

Vocês poderão ouvir Ói o tombo no podcast de jazz contemporâneo e todo o disco nesse link .

O singular Chico Amaral

Em minhas andanças por Minas (visitava BH semanalmente em função do doutoramento), eu tive oportunidade de conhecer/ouvir muitos e bons músicos. Um deles foi o saxofonista Chico Amaral, dono de um sopro preciso e viril, que ouvi algumas vezes na Savassi. Recentemente, em Ouro Preto, encontrei-o novamente e pude mais uma vez apreciar sua habilidade com seus saxes soprano, alto e tenor (acrescenta aí: ele também pilota piano e flauta). Obviamente, aproveitei para bater um breve papo e, para minha alegria, ainda ganhei de presente o seu último cd - Singular - , um disco autoral, motivo desse post.

Chico Amaral é um representante e tanto da geração mineira que emergiu a partir do Clube da Esquina. A música de Minas tomou caminhos interessantes desde então, apesar de muitos se queixarem de o peso do Clube ainda sobrecarregar a linguagem dos músicos mineiros. Taí uma coisa que não me incomoda. Ouvir um tema como Duas Marias, a sexta do disco e que traz mais acentuadamente os tais traços, foi um momento especial. O lirismo transborda e nos transporta para as montanhas de onde parece emanar. Quem conhece as montanhas de Minas e o céu azul (ou nublado, não importa) desenhando o seu peculiar horizonte sabe do que eu estou falando.

Mas o som de Chico não se resume a essa boa influência. Outros sons circulam na bolachinha, como é o caso de Sobe o verão, tema com levada de bolero que o violonista Beto Lopes interpreta com sutileza. Sambage à trois é um bom exemplo de samba-jazz, com um naipe de cinco sopros muito bem arranjado pelo próprio Chico. O disco também tem boa dose de urbanidade metropolitana nas faixas Panamericana e Balancim, expressa por guitarra plugada no bom e velho overdrive, por naipes consistentes e por um groove fusion à moda mineira que fizeram meus velhos ossos balançarem. Surpresa para mim foi descobrir que Chico também se arrisca nas letras sem tropeçar (embora eu prefira o som instrumental, devo admitir que a coisa funciona).

Como é sabido que dificilmente conseguiremos ouvir Chico e seus companheiros na mídia comercial e oficial, deixarei alguma coisa ali no podcast do jazz contemporâneo para vocês curtirem.

Off Tudo é jazz - jamming

Submerso em música ou voando com ela. Não importa a imagem, o fato é que eu estava embriagado com a música regada com Jack, vinhos e cervejas - e queria mais. Estava comigo o meu companheiro predileto de viagem: o velho Altemar Buscher (1927) que, do alto dos seus oitenta e um anos, me esconde um sem número de estórias musicais - estórias que jamais saberei mas que posso imaginar. O melhor é que em algumas delas eu estava ao lado, eu tomei parte e todo da trama, como é o caso de Ouro Preto/2008.

Altemar é fácil de carregar, mesmo embriagado (eu), pois é leve - requisito indispensável para encarar as ladeiras de Ouro Preto. Dirigimo-nos ao Spagetti, restaurante de honesta pasta (resume-se a um estreito corredor, o porão de uma velha casa, como não poderia deixar de ser), onde conhecemos dois bons guitarristas de Montes Claros, Jobert e Warley (foto), com quem marcamos uma jam.

Aí, meus amigos, a coisa decolou: o pau comeu solto e foi nota pra tudo que é lado. Eu e Altemar Buscher, o meu velho sax (foto -sendo soprado por mim), tiramos o pé do lodo. Parecia que toda transbordante música que jorrava em Ouro Preto inundou o pequeno porão. Músicos chegavam e se juntavam ao grupo tornando a coisa ainda melhor. A parte ruim foi que o restaurante fechou em torno dazumazora da segunda-feira. A parte boa é que tinha outro boteco pra gente ir.

O nome, não sei. O local, não tenho idéia ( a não ser que era numa ladeira). Sei que lá chegamos. Porta fechada - susto - que se abriu após uma breve batida à porta. Estava tudo lá: bateria, teclado, baixo, guitarra e eu e Altemar velho de guerra. Inibição já havia ido dormir há muito tempo. E continuamos a jam. Volúpia sonora, falta de juízo, todos guiados pelas musas, até que Sol veio avisar que, há seis horas de estrada dali, me esperava o luto de um dia de trabalho enforcado.

André Previn after hours

Vou aproveitar que Salsa deu uma saidinha para descansar da maratona ouropretense e falarei de um cara que já passou por aqui: André Previn. Ele é um músico de primeira, que trafega com desenvoltura no plano popular e no erudito, além de ser um excelente arranjador. Eu gosto especialmente da força e da veemência com que ele encara as teclas do seu piano.

O disco que eu agora apresento é o After hours, em que se faz acompanhar por seus parceiros Ray Brown (baixo) e Joe Pass (guitarra). Esse disco foi gravado em 89, após um mergulho do nosso pianista nas águas eruditas. Quando eu o ouvi pela primeira vez julguei ser um daqueles bons discos dos anos cinqüenta em que Previn destilava sua força juvenil com toda alegria. O cd está recheado com bons standards nos quais nossos heróis injetam boa dose de swing e sentimento.

Deixarei There will never be another you e Honeysuckle Rose no podcast Quintal do Jazz para vocês avaliarem.

Off Tudo é Jazz - A galinha histérica do Bené

Em uma das postagens eu falei que fui ao restaurante Bené da Flauta para gastar um pouco do que não tinha e encontrar alguns amigos. Gastei mal ao pedir uma galinha com quiabo e polenta (para mim, ir a Minas significa comer comida mineira e beber bebidas mineiras - chopps e cachaças). Sofri, senhores. Arroz seco, polenta meia-bomba e galinha histérica - parece quente mas, na hora h, é fria. Deveria ter pedido a tal salada de bacalhau recomendada por Dan Mendonça (médico, lutiê de guitarras e baixos e artista plástico vitoriano). Pelo menos o chopp estava bom.

Não encontrei os procurados amigos mas conheci outros. Lá estavam Ray Moore, que se apresentara em Vitória na semana anterior, e seus amigos de New Orleans - Creole Zydeco Farmers - que fariam show mais tarde em um dos palcos da cidade (o som do grupo é uma mistura de r&b com com ritmos da região de Norlíns). Disse-me Ray que estava apenas ciceroneando os amigos. Bebemos um bocado de chopp e impedi que pedissem a tal galinha mineira histérica.

Feita a boa ação do dia, passei a curtir o som do grupo Mandu Sarará, de São Paulo, que fazia as honras da casa (pelo menos, para compensar a histérica, o som era liberado). A rapaziada paulista é muito boa e toca um som instrumental bem brasileiro, passeando com desenvoltura por uma miríade de ritmos. As composições do grupo são consistentes e merecem uma conferida (já gravaram dois cds). O nome dos camaradas: Sidney Ferraz (teclados), Valtinho Pinheiro (sax alto), Guto Brinholi (baixo) Rodrigo Bragança (guitarra) e Mário Gaiotto (bateria). Clique sobre o nome do grupo para conhecerem o som.

Christian McBride - o gran finale do Tudo é Jazz 2008

Bom, meus amigos, o último show da última noite no centro de convenções eu contava como gol certo - e não deu outra. Christian McBride promoveu um show e tanto. O simpático baixista cativou a platéia de imediato com sua música e com seu bom humor. Ouviu-se jazz da melhor qualidade com seu novo grupo (com o qual lançará novo disco), que inclui o excelente pianista Eric Reed, dono de ímpares fraseado, swing e sensibilidade ao harmonizar os temas. Outro componente fantástico da banda é o saxofonista Steve Wilson, apegado ao mainstream, que me mostrou como é que se faz para tocar um alto e um soprano com competência. O baterista Carl Allen não decepcionou e fez seu serviço com destreza.

Um destaque especial para o jovem vibrafonista que McBride trouxe para acompanhá-lo: Warren Wolf, com forte semelhança física com Mike Tyson e com toque tão preciso quanto os cruzados do boxeur, demonstrou que tem talento para seguir adiante nessa boa estrada.

O momento especial do show foi a interpretação de Tenderly, iniciado por McBride com um solo usando o arco. O seu velho baixo soou como gutural lamento que ecoou intenso no espaço silencioso do centro de convenções. O show de McBride manteve-se inteiramente imerso no mainstream jazzístico, proporcionando o que, para mim, foi o melhor que aconteceu no Tudo é Jazz de 2008. Fechamento com chave de ouro garantindo uma goleada a favor da boa música.

Omar Sosa: nem tudo é jazz 2008

A polêmica ficou por conta do terceiro show da noite. Os jazzistas de plantão subiram nas tamancas por conta do som do pianista performático cubano Omar Sosa. Razão eles tinham, afinal nem tudo pode ser classificado como jazz, jazz, jazz de marré de si. Um deles chegou a me dizer que o grande mérito do cubano foi desafinar o piano (exagero, obviamente) e atrasar o próximo show. Outra queixa ouvida: se ele ainda tocasse uns rítmos caribenhos talvez desse para engolir, mas o som era outro (o fato é que tinha algo desses ritmos, mas torcidos, retorcidos e atravessados por outros discursos musicais - sem nenhum tipo de eugenia musical).

A massa ignara dos preceitos jazzísticos, no entanto, se deixou levar pelo balanço e pelas presepadas de Omar (foto) e seus comparsas africanos, que enveredaram por um amálgama de sons étnicos. Eu, que já estava turbinado por 375 ml de Jack Daniels, fui com a turba morro a baixo. A miscelânea sonora trazia elementos hip-hop conduzidos por batuques afros e por um piano que, sim, senhores, trazia elementos a la Jarret. O modo pontual como Sosa atacava o piano, suas frases curtas mas com uma boa dose de lirismo, e também a força percussiva em aguns momentos, soaram interessantes para esse volúvel jazzista. O placar, para alguns, estava 2x1 para a boa música - Sosa teria sido um gol contra. Para mim, o placar ficou 2,6x0,4 (por concordar que não se tratava de jazz, mas que foi divertido, foi).